パフォーマンス・アート

概要

パフォーマンス・アート（Performance Art）は、芸術家の身体・行為・時間・空間を作品の素材とする芸術形式である。絵画や彫刻のように物質的な産物を残さず、出来事そのものが作品となる。

1950年代末から60年代にかけて、アメリカのアラン・カプロウが提唱した「ハプニング（Happening）」と、ヨーロッパのフルクサス（Fluxus）運動が同時並行的に台頭したことで形式が確立された。

パフォーマンス・アートは、絵画の市場流通・所有・複製可能性への批判として発生した。「作品は買えない」「再演は別の作品だ」という立場は、資本主義的な芸術流通に対する根本的な問いかけを含んでいた。

ジョン・ケージが1952年にブラック・マウンテン・カレッジで行った「シアター・ピース No.1」が最初期の事例として挙げられる。音楽・詩・映像・ダンスを同時上演したこの試みは、後のハプニングの原型となった。

アラン・カプロウは1958年の論文「遺産としてのポロック」で、ジャクソン・ポロックのアクション・ペインティングが絵画行為そのものを前景化したと論じ、行為を作品とする芸術の可能性を理論化した。カプロウは1959年に「18のハプニング、6つの部分で」を発表し、観客を作品の構成要素として取り込んだ。

ドイツのヨーゼフ・ボイスは1960〜70年代に「社会的彫刻」という概念を掲げ、政治・教育・生活そのものを芸術行為の場とした。「コヨーテ：アメリカは好きだし、アメリカも私が好きだ」（1974）では生きたコヨーテと同室で3日間過ごし、文明と自然の関係を問うた。

マリーナ・アブラモヴィッチはパフォーマンス・アートの最も著名な実践者であり、「オブジェクト（ウリとマリーナ）」（1977）や「芸術家が存在する（The Artist Is Present）」（2010）で知られる。「芸術家が存在する」ではMoMAで736時間座り続け、来場者と無言で向き合い続けた。

ヨーコ・オノは1964年の「カット・ピース」で、観客がハサミで彼女の衣服を切り取ることを許可した。暴力・所有・他者への依存というテーマを身体で体現した作品である。

クリス・バーデンは1971年の「シュート」で、自分の腕を実弾で撃つことを作品とした。痛みと危険を作品の核とする過激な身体芸術（ボディ・アート）の極端な事例である。

パフォーマンス・アートに共通する特徴を整理すると以下の通りである。

RoseLee Goldberg, Performance Art: From Futurism to the Present, Thames & Hudson, 3rd ed., 2011
Marina Abramović, Walk Through Walls: A Memoir, Crown Archetype, 2016
アラン・カプロウ「遺産としてのポロック」（1958）、ARTnews 掲載